ギターに限らず、楽器の習得で大事なのは、習い始めにおける身体と頭への刷り込みです。最初に間違った、もしくは無理なフォームや動きで定着した演奏方法をあとで変えていくのは難しいのです。とは言え、年齢が若いうちは正しい演奏方法へと修正していくことが可能です。「できない」ということをからだに染みつかせないことが重要。身体そのものの制御、つまり筋肉やしっかりした体幹までもが必要とも言えるのです。静的、動的、両方の側面から演奏を指導します。経験者にはプロデューサー的観点から、実際に必要な演奏技能、ステップアップのための気づきを。

安心してください。手の小さなベーシストはたくさんいます。（私は大きいので説得力はありませんが）ギターと比べると、本体を大きく、弦を太くして、音域がグッと下がっただけの楽器です。しかもほとんどの場合単音しか弾かなくていいので、一見楽そうですが、もちろんそういうわけではありません。面白いのは、続けているとそれぞれがその楽器に見合ったような人格を形成していくという点です。ベーシストに落ち着いた人が多いのは、別に性格が控えめとかバンド結成時にじゃんけんに負けた（もしくは譲った）からということだけではないと思うのです。

DTMをしている時に最も費やす時間は「聴く時間」です。かつては音楽を表現しようとすると、必ず身体表現が伴いました。演奏や歌唱です。作曲や作詞は音符や文字として記録しますが、静的なもので、実際の音は伴いません。静的なアプローチながら音楽を実際の音として表現できるのがDTM。私はそう考えています。もちろん録音も必要ですから、その過程に演奏や歌唱は必要ですが、実時間の必要がない、つまり極端なことを言えば、１音だけ演奏したものを繋ぎ合わせても完成した曲として表現できるのです。このことは、「演奏できる音楽」ではなく「聴きたい音楽」を自由に表現できる可能性があるということです。演奏技術の習得という長い鍛錬を必要とせずに。

私は演奏家というよりは音楽制作家として半生を過ごしてきました。それぞれのパートを追求するのとは違い、トータル、つまり各楽器のバランスを考えて適所に配置していくような作業がアレンジです。そして、それはアレンジに対するアプローチの方法論にも繋がります。たとえば「他の楽器のことを考えてここは控えめにしよう」がいい音楽に仕上がるとは限らないのが面白いところで、勘と経験、あとは自分の情動にも敏感になる必要があるというような、人間性の領域も関係していくのがトータルで音楽を仕上げるといったことなのです。学ぶべきことがもっとも多い分野かもしれません。